Entrare nella sala della National Gallery di Londra dove si trova il Ritratto dei Coniugi Arnolfini di Jan van Eyck è sempre un’emozione intensa.
Credo sia la terza volta che lo vedo dal vivo, ma è la prima dopo aver tanto letto e studiato sulla sua storia. Stavolta, complice l’orario di chiusura, mi sono trovato da solo nella sala, con il privilegio di osservare questo capolavoro in un silenzio assoluto. In quella solitudine, l’opera mi è apparsa in una luce diversa: non più soltanto un capolavoro del Quattrocento, ma un’immagine intrisa di simboli, enigmi e silenzi che continuano a parlare attraverso i secoli. Per me è stato un viaggio che va oltre la pittura, un incontro con il mistero stesso che Van Eyck ha reso eterno.
A prima vista, la scena sembra semplice: un uomo e una donna ritratti nella loro stanza. I gesti sono pacati, tipici di questo genere di opere, e l’atmosfera è intima e raccolta, quasi sospesa. L’ambiente è colmo di dettagli minuziosi, caratteristici della pittura fiamminga, che raccontano con realismo la vita domestica del Quattrocento. Van Eyck, maestro insuperato della pittura a olio, riproduce con precisione quasi fotografica i tessuti, le superfici lignee, i riflessi della luce. Un sogno per ogni ricostruttore storico, che in questo dipinto trova una miniera di ispirazioni grazie alla straordinaria finezza dei particolari.
Ma è proprio dentro questa atmosfera di iperrealismo che si avverte qualcosa di insolito: un mistero impalpabile, ma sempre presente. La ricchezza dei dettagli va la di là del semplice esercizio di stile: nulla è casuale. Ogni oggetto sembra custodire un doppio significato e, dietro l’apparente intimità domestica, si cela un linguaggio simbolico che intreccia vita e morte.
Si è spesso discusso dello specchio convesso posto al centro della parete di fondo, ritenuto da molti critici il cuore simbolico del dipinto. Non solo riflette la coppia di sposi, ma rivela anche due figure che osservano la scena dall’esterno: testimoni silenziosi, invisibili allo sguardo immediato dello spettatore. Una di esse viene spesso identificata con lo stesso Van Eyck, che qui si autoritrae, quasi in un cameo ante litteram, lasciando la propria presenza discreta ma indelebile all’interno dell’opera.
Eppure, osservandolo più a lungo, quello specchio sembra spalancare una dimensione ulteriore, quasi fosse un portale verso una visione inquietante. Non riflette soltanto ciò che è presente, ma lascia intravedere ciò che sfugge a un primo sguardo: una presenza silenziosa e invisibile, che accompagna la vita e si colloca oltre i limiti della percezione umana.
Un altro dettaglio potente è la candela accesa sul lampadario: solitaria, mentre le altre braccia restano spente. Per alcuni storici dell’arte è il simbolo della presenza divina, per altri rappresenta la vita che arde in contrasto con il buio della morte. La sua luce fragile, sospesa a metà tra l’essere e il non essere, ti sembra ricordare il filo sottile dell’esistenza umana.
Accanto a questo, il tenero gesto degli sposi che si tengono la mano acquista un valore che supera il semplice contratto matrimoniale: diventa testimonianza di una promessa che riguarda la vita e ciò che viene oltre di essa.
Altri simboli arricchiscono la scena: il piccolo cane ai piedi della coppia, emblema di fedeltà coniugale; i frutti poggiati sul davanzale, segno di prosperità e di fertilità; il letto rosso, che allude al legame carnale e al compimento del matrimonio. Tutto è intensamente reale, e al tempo stesso impregnato di significati nascosti.
Le arance e le ciliegie non sono solo ostentazione di ricchezza, ma richiamano il Giardino dell’Eden: peccato originale e promessa di salvezza. Le pianelle tolte dall’uomo alludono al rispetto per uno spazio sacro. Persino la sedia dietro la donna porta intagliata Santa Margherita, protettrice delle partorienti.
Ma chi erano i coniugi Arnolfini? Una nota storica
Il protagonista maschile del dipinto viene generalmente identificato con Giovanni di Nicolao Arnolfini, potente mercante lucchese residente a Bruges. Sull’identità della donna è da tempo aperto un lungo dibattito:
- secondo una prima interpretazione, si tratterebbe di Giovanna Cenami, seconda moglie di Arnolfini, dalla quale però egli non ebbe mai eredi;
- studi più recenti, supportati da documenti d’archivio, riconoscono invece la figura in Costanza Trenta, la prima moglie, morta nel 1433, probabilmente durante un parto, un anno prima della data riportata nel dipinto (1434).
Questa divergenza interpretativa cambia radicalmente il senso dell’opera: un ritratto di vita coniugale oppure un memoriale postumo. Nel secondo caso, Giovanni avrebbe commissionato a Van Eyck il quadro per immortalare la moglie defunta, raffigurandola come viva, trasformando la scena in un ricordo eterno.
Gravidanza e morte: due chiavi di lettura
La posa della donna, con la mano appoggiata sul ventre pronunciato, è stata a lungo interpretata come una semplice moda dell’epoca. Tuttavia, alcuni studiosi vi leggono un chiaro riferimento alla gravidanza: il dipinto diventerebbe così un “ritratto di gravidanza”, genere diffuso nel Quattrocento, nato per celebrare la maternità ma spesso utilizzato anche come ricordo in caso di morte di parto.
Questa teoria si lega perfettamente alla vicenda della prima moglie, Costanza Trenta, morta proprio di parto: il dipinto non sarebbe dunque una celebrazione di nozze, ma potrebbe essere un commosso memoriale di lei e del figlio mai nato.
In quest’ottica, i tanti simboli presenti acquistano una nuova visione con una coerenza sorprendente:
- la candela accesa sopra l’uomo e quella spenta sopra la donna evocano vita e morte;
- lo specchio circondato dalle scene della Passione di Cristo mostra sul lato maschile gli episodi della vita e su quello femminile le immagini della morte;
- Santa Margherita, scolpita sulla sedia alle spalle della donna, richiama esplicitamente il tema del parto e del sacrificio;
- i frutti, infine, non sono più solo simbolo di prosperità, ma rimandano alla caducità della vita e al peccato originale.
La firma di Van Eyck: un atto notarile
Sulla parete, sopra lo specchio, si legge l’iscrizione “Johannes de Eyck fuit hic” (“Jan van Eyck fu qui”). Non è una semplice firma d’artista, anzi, la formula è del tutto insolita per la pittura del tempo, ma un gesto che richiama l’idea di un atto notarile. Con questa scritta, Van Eyck non si limita ad affermarsi come autore: travalica il ruolo di pittore e si pone come testimone ufficiale della scena, trasformando il dipinto in una sorta di documento che certifica la memoria dell’evento.
L’eredità di un enigma
Acquisito dalla National Gallery nel 1842, dopo essere stato sottratto alla famiglia reale spagnola durante le guerre napoleoniche, il dipinto rimane un enigma aperto. Per decenni la lettura di Erwin Panofsky, lo storico dell’arte che nel marzo del 1934 pose le basi dell’iconologia moderna, lo ha consacrato come un vero e proprio “ritratto di matrimonio”. Tuttavia, le nuove scoperte archivistiche e le interpretazioni simboliche più recenti hanno progressivamente ridefinito il suo senso, rivelandolo come un possibile memoriale commemorativo.
A quasi seicento anni dalla sua realizzazione, i Coniugi Arnolfini continuano a interrogarci.
Trovarsi davanti a quest’opera significa per me vivere un’esperienza che va oltre l’arte. La stanza dipinta sembra aprirsi per accogliere anche lo spettatore, che diventa parte della scena, come se lo specchio ne catturasse il riflesso. Gli sguardi degli sposi, severi e silenziosi, non si limitano a farsi osservare: ti attraversano, ti interrogano e ti costringono a misurarti con il fragile equilibrio tra vita e morte.
Allontanandomi dalla sala, non ho portato con me soltanto l’immagine di due figure del passato, ma una domanda sospesa: cosa rimane oltre ciò che vediamo? Forse è proprio qui che risiede la bellezza di questo dipinto, che non si limita a essere la cronaca di un matrimonio, ma diventa un invito a riflettere sul mistero dell’esistenza. Un invito che Van Eyck, con la sua pittura silenziosa e luminosa, ha reso eterno in una stanza fiamminga del Quattrocento.
Per saperne di più :
Erwin Panofsky, Jan Van Eyck’s Arnolfini portrait. The Burlinghton Magazine for Connoisseurs, vol.64, no 372, Mar.,1934.
Erwin Panofsky, Early Netherlandish Painting: Its Origins and Character.Harvard University Press, 1964.
Margaret Koster, The Arnolfini double portrait: a simple solution. Apollo Magazine, 2003.
Lorne Campbell, National Gallery Catalogues: The Fifteenth-Century Netherlandish Schools. National Gallery, 1998.
Tristan Craig, The Arnolfini Portrait and the Limits of Interpretation, Retrospect Journal, Nov., 2019.
Waldemar Januszczak, The Long Disputed Meaning Of Van Eyck’s Painting. You Tube Video.
Jean-Philippe Postel, Daniel Pennac, Il mistero Arnolfini. Indagine su un dipinto di Van Eyck, Ed.Skira. 2017
J.B.bedaux, Sixian Jin, Symbolism in Western Paintings: A Case Study of The Arnolfini Portrait. International Conference on Law, History, Philosophy and Public Relations, Vol. 12: 2024.
Per una visione dei particolari consiglio la visita al sito della National Gallery di Londra:
https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/jan-van-eyck-the-arnolfini-portrait
Fotografie dell’autore.
